Что такое музыка?

Музыка – это набор звуков составляющий какую-либо мелодию приятную человеческому уху. Наверное, так бы ответил простой человек не занимающийся музыкой профессионально.  А вот что пишет профессиональный музыкант Генрих Нейгауз:

Должен сознаться, что музыку (исполнение), лишённую ритмического стержня, логики времени и развития во времени, я воспринимаю только как музыкальный шум, где музыкальная речь для меня исковеркана до неузнаваемости, просто утеряна.

Получается, каждый, в силу своего музыкального развития и предпочтения, по-разному относится к восприятию музыки. А значит грань, между музыкой и не музыкой, будет у каждого своя. И если б дальше каждый жил с такой позицией, то музыка, как искусство, не получило бы никакого развития.

Но ведь как-то договорились люди, как они будут записывать музыкальную мысль, склад, фактуру и пр., выделили фундаментальные понятия (к примеру, что основных нот 7), что благозвучно, а что нет, и как вообще упорядочить эту “музыкальную ткань”.  Всё это удалось сделать благодаря тому, что некоторые люди, независимо друг от друга, уловили одни и те же закономерности в звуках. И сделали они это благодаря своему сознанию. Именно человеческое сознание выделило 7 основных нот, и что можно считать благозвучным (консонанс) и неблагозвучным (диссонанс). Развитое сознание человека – действенный и мощный инструмент познания окружающего мира.

Но кто же были эти люди? Как это часто бывает в наше время, истинных первооткрывателей выявить очень трудно. Поэтому, обратимся к официальным источникам, и посмотрим, кому и что они приписывают:

Пифагор – создал музыкальный строй и выявил интервалы.

Гвидо д’Ареццо – дал названия нотам (До – Dominus – Господь; Ре – rerum – материя;  Ми – miraculum – чудо; Фа – familias рlanetarium – семья планет; Соль – solis – Солнце; Ля – lactea via – Млечный путь;  Си – siderae – небеса).

Жан Филипп Рамо – создал учение о гармонии (старое название – генерал бас).

Помимо них, было существенное множество композиторов, которые создавали новые формы музыки и изменяли старые. Все эти люди жили в очень разное время. И каждый вносил свой вклад в развитие музыки, дополняя старые труды и создавая новые. И как закономерный итог, сложилась общая теория музыки, которую мы, в общих чертах, рассмотрим ниже.

Теория музыки.

Как мы уже знаем, основных нот всего 7, которые имеют свои имена.  Так же используется 5 полутонов, которые носят имена основных нот, только с оговорками (диез – на пол тона выше, бемоль – на пол тона ниже). Основные ноты расположены на белых клавишах фортепиано, полутона – на чёрных.

И каждая нажатая клавиша будет издавать звук. Только звучать они будут по разному. Основной параметр, который их различает, это частота, измеряемая в герцах.  1 Герц (Гц.) – это одно полное колебание волны, произведённое за одну секунду. А что такое звук? Это колебание воздуха в пространстве т.е. механические волны. Человеческое ухо способно уловить от 18 Гц до 20000 Гц. Давайте измерим частоту наших нот в первой октаве:

Вот так математикам удалось привязать музыку к цифрам. Но когда появился пифагоров строй, и когда появился Генрих Рудольф Герц? 2000 лет между ними прошло. Как же люди настраивали свои музыкальные инструменты? На слух. Как и было указано выше, человеческое сознание умеет выделяет ноты, и ему ничего не надо знать о Герцах т.к. это условность, которую придумал человек для собственного удобства.

Но научный мир пошёл дальше, он научился измерять длину волны, что позволило понять причину цветового разнообразия. Именно длина световой волны [λ] играет определяющую роль, почему мы видим ту или иную вещь в определённом цвете (длину волн измеряют в нано метрах).

И вот тут, с помощью математических вычислений, физикам удалось привязать к каждой ноте цвет! Как они это сделали? В одно действие: λ=c/f. Длина волны [λ], находится как скорость волны (скорость звука) [c], поделённое на частоту [f]. Это так же справедливо и для электромагнитных (световых волн). В результате этого, мы видим новую картинку:

Казалось бы, это большое открытие т.к. нота имеет цвет! Но не тут-то было. Музыканты сотнями лет назад говорили, что каждая нота имеет свой характер и окраску, и более того, Скрябин и Римский-Корсаков говорили, что не только ноты, но и целые тональности имеют свой цвет. Скрябин так вообще был уверен, что раз он видит эти цвета, то и остальные люди владеют этим. И был удивлён, когда убедился в обратном. Не всем дана такая возможность от природы.

Наука, от беспомощности  объяснить столь редкий талант у человека, дала этому явлению название – синестезия. А людей, владеющих данным талантом, называли синестетами (это такие люди, которые могут сказать, что хотят послушать красную или синюю музыку). И пока, есть только предположения, как это работает у человека.

И тут можно заметить 2 подхода к изучению музыки. Один научный, который старается оградить музыку, навязать свои правила, и поставить в рамки чисел и правил. Другой, естественный, когда само искусство музыки подсказывает человеку, как нужно её изучать, понимать и владеть. И чуткий, чувствительный человек идёт по второму варианту, интуитивно отвечая на эти подсказки. И эти 2 подхода спорят между собой, бодаются, так как невозможно им ужиться вдвоём на одной дороге. Дороге, по который идут люди, изучающие искусство музыки.

432 vs 440.

Один из самых известных споров, был спор о ноте Ля первой октавы. С какой частотой она должна звучать 432 Гц. Или 440 Гц.? Сейчас эталон звучания ноты Ля считается 440 Гц., Изменив частоту одной ноты, нужно изменить и другие относительно её; т.е. меняется весь строй. А раньше было 432?

В Российской Империи,  в 1796г. Джузеппе Сарти привёл свои доводы в пользу 436 Гц. А композитор Максим Созонтович Березовский не признавал Сарти как высококлассного специалиста:”…Сарти, который печатно не устыдился обличить себя в незнании музыки; он целой книгой доказывал, что Моцарт не знает музыки и пишет бессмыслицу!”

Далее, в 1885г. в Вене, для России, Швеции, Италии и различных немецких государств, ввели новый эталон – 435 Гц, а в 1939г., на очередной конференции в Лондоне, установили 440 Гц, что мы и имеем до сих пор.

Не все страны входили в эти конференции, не все эти правила принимали, и в это время в Европе была своя, более активная “война” за эталонный строй:

В 1600-1700г. в Германии , стандарт был 415 Гц,  в Италии 466 Гц, во Франции 392 Гц. В условиях растущей международной музыкальной жизни, потребность в единообразной системе звуков возросла. Так, в 1788 году в Париже возник новый стандарт – 409 Гц. В 1858 году, Французской академией, стандарт был изменён до 437,5 Гц. Интересный случай был и с Джузеппе Верди, который в 1884 году выступал за  432 Гц. Роберто Горини Фалько, опубликовал письмо Верди, найденное в консерватории Милана.

Перевод:

Генуя, 10 февраля 1884 г.

С тех пор, как во Франции был принят нормальный диапазон (эталонный стандарт) я бы советовал и нам придерживаться оного. Так же я попросил несколько итальянских оркестров изменить строй до французского нормального стандарта. Если музыкальная комиссия, созданная нашим правительством, по математическим соображениям полагает, что вибрации французского строя 870 нужно уменьшить до 864, то  разница настолько мала, почти незаметна для слуха, что я охотно ее придерживаюсь. Было бы серьезной, очень серьезной ошибкой принять вибрационный камертон 900 из Рима.

Примечание:  870 -8va = 435, 864 -8va = 432, 900 -8va = 450

Так же в книге “The Verdi-Boito Correspondence”, есть письмо Верди, адресованное Бойто:

Dear Boito,

There is no doubt about it. The conclusion of your letter is perfect. Principal aim, the standard of concert pitch. Give in, if it cannot be avoided; but not without declaring openly, loudly, and publicly the error, from the scientific point of view, of the 870 vibrations. You are a clear and fluent speaker, and you will easily expound the truth. With the authority of our conservatories, it could surely be declared that we maintain the concert pitch of 864 vibrations because it is more correct; but this firmness could seem mere pique, a childishness that could almost lend itself to ridicule, and it would immediately be taken up by your transalpine brothers.

Conclusion: Give in, I repeat, if it cannot be avoided; and the standard, etc.

Write me from Vienna the result of it all, and with Peppina’s greetings I wish you a good journey and bid you farewell.

Yours, G. Verdi.

Получается, что Верди не протестовал против 435 Гц, и был за 432 Гц. Особой разницы между этими строями он не видел. А вот 450 Гц он осуждал.  Да и вообще, если опираться только на документы, 432 Гц упоминает только Верди. Помимо 432 Гц. и 440 Гц, существовало множество других строев, и не справедливо упускать их из виду, ведя разговоры только о двух вариантах.

Дальше европейские споры подпали под ту же Лондонскую конференцию в 1939г., и там утвердился стандарт 440 Гц и для всей Европы тоже.

Казалось бы, разница в строе совсем небольшая, но сколько споров, осуждений и прений. В чём же дело? Много ходит легенд о том, что изменив современный строй, влияние на человека изменяется, а другие этого не замечают. Музыканты, методом проб и ошибок пытаются нащупать разницу, играя одни и те же музыкальные произведения в разных строях и т.д. Точный ответ пока не найден. Конечно, этот вопрос очень интересный, и скорее всего есть разница во влиянии на восприятие человека, но это настолько тонкий момент, что в ознакомительной статье с музыкой, его полностью разобрать не получится.

Музыка и человек.

“Музыка не может мыслить, но она может воплощать мысль” - Рихард Вагнер

Как говорят некоторые музыкальные педагоги, музыка – это инструмент выражения себя. Люди выражают себя в стихах, песнях, танцах, картинах и других видах деятельности. И каждому, явно что-то ближе и роднее. Истинные музыканты, способны передавать в музыкальных произведениях не только чувства и настроение, но и целые образы и идеи. Как может столь невидимое, влиять на человека так сильно, что после прослушивания какого-нибудь концерта или симфонии, человек уходит с ощущением будто посмотрел целый фильм, со своим сюжетом, образами персонажей и прочими задумками? Это влияние называется музыкальным искусством.

Музыкальное искусство – это искусство, в котором часть людей нуждается как в пище и воде. Только эта пища для душевной жизни человека. Человеческая сущность требует заниматься музыкой, изучать, исполнять, сочинять. Это как заноза в мыслях, которая вечно не даёт покоя, и требует обратить на себя внимание. От неё невозможно отмахнуться, или забыть на века. Она всё равно найдёт новый путь потревожить сознание человека.  Порой создаётся впечатление, что не человек выбирает заниматься музыкой, а музыка выбирает человека.

Далеко не у всех такой резонанс с музыкой, чаще музыка, как идеальная девушка, которая сидит и ждёт, когда же ты ей наконец займёшься. Она всегда рядом, и в любой момент готова откликнуться на твои действия в её направлении. Она никогда с тобой не спорит, не обманет, не изменит и не предаст, всегда будет искренна по отношению к тебе. Даст тебе ровно столько, сколько ты в неё вложишь труда и стараний. Абсолютная справедливость в ваших отношениях. Такую аналогию можно провести и с другими искусствами, но музыка и здесь особенна, она невидима, и её сложно сразу понять и правильно воспринять.

“Вся прелесть музыки — в мелодии” – Йозеф Гайдн

Конечно есть люди, которые не резонируют с музыкой. Таких педагоги называют грубым словосочетанием - “музыкально дефективными”. Но даже они резонируют с определёнными мелодиями, что ласкает их слух и задевает человеческую сущность. С изменением возраста, предпочтения могут изменится, так как с возрастом может изменится и человек. Это не значит, что одним дано, а другим нет. Дано всем, но в разной степени. Подавляющее число людей, изредка напевает какую-либо мелодию. А любая мелодия может получить очень большое развитие. Всё зависит от самого человека, и как далеко он зайдёт в развитии простой мелодии?

“Музыка без мелодии не музыка” – Роберт Шуман

Независимо от того, музыкально ли грамотный человек, одарённый или нет, чувствительный или нет, всё равно большинство людей выделяет живость музыкальности. Порой кажется, что композиторы не сочиняют музыку, а улавливают её и воплощают в нотном письме.  В целом люди понимают, что музыка - это не просто набор нот и звуков, а гораздо больше. Каждая нота имеет свой характер, каждый интервал свой образ, каждое произведение – идею. Живая музыка заполняет ту душевную пустоту, которая тяготит человека, оживляет психику, помогает настроится на определённые задачи. Музыка – это инструмент в помощь человеку, которым нужно овладеть, и пользоваться на благо себя и окружающих.

Как пример живости и образности музыки, обратите внимание на рисунок ниже из книг музыкального новатора - Владимира Кирюшина.

И помните, это только фундамент, так называемые основы теории музыки. Ноты, интервалы, функции. А теперь представьте, что вы прослушали какое-либо серьёзное классическое музыкальное произведение, смогли уловить идею и суть задумки, какой рисунок у вас тогда всплывёт в голове? Возможно ли его вообще изобразить? Уловив и осознав это, человек поймёт, как богат и разнообразен мир музыкального искусства, как безграничны его возможности, и как он ждёт и манит, что б люди с открытой душой и доброй волей вошли туда, и испытали всю радость от пребывания в этом прекрасном и удивительном месте. Месте, которое мы скромно называем – мир музыкального искусства.